ムーンダリアが築く独自の音楽的アイデンティティ

あなたはどんな方で、どこから来て、どんなことをされているのか、少し教えていただけますか？

Nayokenza: 僕たちはMoondahliaというインストゥルメンタルバンドです。僕たち自身は日本出身ではないので「日本のバンド」と言うのはちょっと不思議な感じもしますが、このプロジェクトは完全に東京と結びついています。もし東京がなければ、僕とLucasは出会うこともなかったし、東京の音楽シーンがなければ、こんなにユニークなことをやろうとも思わなかったでしょう。だから、僕たちは二人とも外国人ではありますが、自分たちを“東京を拠点とするバンド”だと考えています。 僕はフロリダ州オーランド出身です。バンドではプロダクション、ドラム、メロディの背景づけ、サンプリングやレイヤリングを担当しています。音楽を始めたのは子どもの頃で、兄弟と一緒にギターを弾いていたのですが、正直言ってあまり上手くはありませんでした。それから14歳くらいでラップを始め、同時にサンプラーをいじったり音を操作したりすることにのめり込みました。長い間、ポストハードコアやスクリーモのプロジェクトに関わってきました。でもその前に、そもそも自分が思い描いていた音楽を一緒に作れる仲間が見つからなかったので、最初は自分一人でプロデュースを始めたんです。その後は東京のクラブでDJもしていて、Trump RoomやBeat Caféといった場所でプレイしていましたが、パンデミックを機にDJをやめて、完全にプロダクションに専念することにしました。 Lucas: 僕はLucasで、ベースを担当しています。フランス南部のニース出身です。ベースを弾き始めてもう19年になりますが、完全に独学で学んできました。これまでにパンクから始まり、メタル寄りの音楽、ジャズ、ファンク、さらにはヒップホップまで、さまざまなジャンルを経験してきました。妻と一緒に9年ほど前に日本へ来て、今は息子と家族でここに暮らしています。 僕にとってベースはずっと自己表現の手段でした。Moondahliaでは、これまで触れてきたメタルやファンク、ジャズといった要素を組み合わせて活かすことができるんです。その全部を違う形で表現できるというのはとても刺激的で、これまでに積み重ねてきたものがすべてここで生きていると感じられます。

Moondahliaはどのようにして始まったのですか？

Lucas: 僕はずっと、ドラムやボーカル、ギターやキーボードといった典型的な編成のバンドで演奏してきました。DJやプロデューサーと組んだことは一度もなかったんです。Nayoとは何年も前、同じ会社で働いていたときに出会いました。 パンデミックの間に、Cloud Engineer というソロプロジェクトを始めて、自分でビートを作り、ベースを弾いてアルバムを2枚リリースしました。でもしばらくすると、クリエイティブな意味で孤独さを感じるようになったんです。「これはこれでいいけど、全部自分ひとりだ。『これはうまくいってる、これは違う』と言ってくれる相手がいない」と思いました。そこで、本当に自分のやっていることを理解してくれて補い合えるパートナーが欲しいと強く感じたんです。だから昨年、Nayoに「一緒にやらないか」と声をかけました。 Nayokenza: 最初の頃は、ボーカリストやギタリストが加わっていた時期もありました。プロジェクトの初期の名前は The View at Midnight で、当時は Tiger Lily と Candle and Flame をボーカル入りで録音したんです。でもそれをプレイリストやブログに送ると、決まって返ってくるのは「音楽は素晴らしいけど、ボーカルは微妙」という反応でした。それが僕にとって大きなきっかけになり、「もうボーカルはやめて、プロダクションに専念すればいいんだ」と気づいたんです。 そこから僕たちはインストゥルメンタルバンドとしてやっていくことを決めました。新しい名前を考えようとブレインストーミングしたんですが、僕はちょっと狂ったように数日で何千もの候補を出しました。その中のひとつが Moondahlia で、二人ともすぐに「これだ」と思えたんです。 Lucas: 日本語での発音もしやすかったんです。以前の名前はカタカナにするととても言いにくくて（笑）。Moondahlia は覚えやすくてキャッチーだし、見た目の印象もしっくりきました。月の中に花があるイメージを思い描いて、それがシンプルだけど力強いシンボルになり、僕たちのロゴや美学の基盤になったんです。

Moondahliaを続ける中で、最も幸せを感じた瞬間や、逆に大変だった経験について教えてください。

Lucas: 最近のハイライトは、初めてしっかりとした形でライブセットを録音できたことですね。「自分たちの音楽はちゃんとステージでも通用するんだ」と実感できて、とても嬉しかったです。でも一番大きな出来事は、エンジニアをSimilineに変えたときです。彼は僕のベースの弾き方やバンドの方向性を丁寧に理解してくれて、仕上がったマスター音源は「これが僕たちだ」と心から思えるものでした。19年間いろんなバンドで演奏してきましたが、初めて自分の音楽がプロフェッショナルな形で昇華されたと感じました。 Nayokenza: 僕にとっての大きな喜びは、音楽が海外に届いた瞬間です。特に Aomari Afterglow をリリースしたとき、カザフスタンをターゲットにテスト的に広告を出したら、アスタナやアルマトイの若いリスナーがどんどん聴いてくれるようになったんです。東京のシーンでは、どうしても「友達に見せる」みたいな内輪感が強いけれど、このとき初めて、自分たちの音楽が全く知らない誰かの生活の一部になったと実感しました。毎朝「今日もカザフスタンで聴いてくれている人がいる」と思えることが、本当にモチベーションになっています。 Lucas: もちろん苦労もあります。以前のエンジニアが二曲を仕上げたとき、結果がひどい出来だったんです。コンプレッションが強すぎて音が潰れているし、ベースがずれて曲の最後まで持たない。こちらから修正をお願いしたら「やりたくない」と突っぱねられてしまいました。曲を託して返ってきたものが壊れているというのは本当にきつい体験でした。 Nayokenza: 特に辛かったのは、その中にEPを締めくくる大切な曲 Figure Eight が含まれていたことです。最後の「おやすみ」のような位置づけにしたかったので、完璧に仕上げる必要がありました。自分でマスタリングすることも考えましたが、僕はエンジニアではないし、何度も聴いた曲に新鮮な耳を持てなくなってしまう。自分のせいで失敗したのではないかと疑ってしまうこともありました。それでも最終的にSimilineと出会えたことで救われたし、信頼できる人に作品を託す大切さを改めて学びました。

あなたにとって音楽とは何でしょうか？ そしてそれはどのように変化してきましたか？

Nayokenza: 僕にとって音楽や創作は、どこか「向こう側」から流れてくる贈り物のようなものなんです。それを自分の中で受け取って、音として形にして、人と共有する。そうやって人と、そして世界や宇宙とつながるための手段だと思っています。僕自身は社交的なタイプではなくて、大勢と一緒に盛り上がったり、人前で話したりするのは得意じゃない。でも「この曲を作ったから、ぜひ生活の中に取り入れてみてほしい」と差し出すことで、人と関われるんです。昔は「ラップで誰よりも上手くやりたい」とか「もっと激しい音を出したい」とか、自分を証明するような気持ちが強かった。でも今は、純粋にものを作ることや、それを届けること自体が喜びになっています。 Lucas: 僕の考え方は少し違います。僕にとって音楽は、自分が一番落ち着ける場所なんです。もし10人の前でスピーチをしろと言われたら、ぎこちなくて居心地が悪いと思います。でも、ベースを持って200人の前で演奏するなら、まるで自分の家にいるみたいに自然でいられるんです。それは「運命だ」とか大げさな話じゃなくて、「ここにいると生きていると実感できる」っていうこと。 おもしろいのは、人によっては音楽をキャリアだとか情熱だとか使命だとか言うけれど、僕にとってはそんな大きな言葉はいらないんです。ただ、自分らしくいられる心地よさのことなんです。音楽は古い革のジャケットみたいなもので、体になじんで、長年使っても飽きなくて、ずっと着ていられる。僕にとっての音楽はそういうものです。つまり、人生そのものなんです。

東京での暮らしや、この街があなたたちの音楽に与えている影響について教えてください。

Nayokenza: 実は子どもの頃から東京に住むのが夢だったんです。10歳くらいのときにいとこが東京に住んでいて、それがきっかけでずっと東京に憧れるようになりました。だからラップも、DJも、プロデュースも、すべては結局この街にたどり着くための道だったんだと思います。2008年に初めて東京に来て、2012年からは本格的にここに住み始めました。DJとして初めてクラブでプレイしたのも東京だったし、プロダクションを本気で学んだのも東京です。大人になってからの人生はほとんどこの街と共にあって、僕にとって東京は「自分らしく創作できる自由を与えてくれた場所」だと思っています。 Lucas: 僕が東京に来る前は、東京といえば「眠らない大都会」というイメージがありました。高層ビルが立ち並んで、文化が混ざり合うハイパー・コスモポリタンな街だと想像していたんです。でも実際に住んでいるのは江戸川区で、もう8年になります。そこはとても下町的で、人々が温かく迎え入れてくれるようなコミュニティがあって、高層ビルなんてほとんどない。いい意味で想像と違っていましたね。東京は確かに便利で、いろんなものが手に入る街だけど、同時に生活感のある落ち着いた側面もあって、その両方が好きです。 Nayokenza: ナイトライフも面白いですよね。パンデミック前は、僕はいわゆる“渋谷ボーイ”で、渋谷や代官山、表参道あたりで毎晩遊んでいました。でもコロナ以降はすっかり様子が変わってしまった。ただ、日本の面白いところは、表には出ないことが多いという点です。通りは静かでも、裏ではちゃんと熱量がある。その隠された感じが日本らしくて好きなんです。

今後の目標や、Moondahliaをどう成長させたいと考えていますか？

Nayokenza: 僕にとって一番の目標は「持続可能性」です。もし僕たちが本業を辞めたとしても、バンドだけで生活していけるレベルにまで成長させたい。でも、だからといって延々とツアーを回り続けるような生活は望んでいません。1年のうち18か月を移動に費やすなんて、家族もいる自分たちには現実的ではないからです。 その代わりに、レーベルのサポートや専属のチームがあって、収益をしっかり映像や音作り、プロダクションに再投資できる状態が理想です。例えば、エンジニアのSimonのような人と現地で直接一緒に制作したり、海外に行ってコラボレーションしたり。予算に縛られない、洗練されていて創造的なミュージックビデオを作りたいんです。僕にとってMoondahliaは、自分たちで自分たちを支えられるくらいの規模にしたい。その上で得られたお金はすべて、また新しい作品づくりに還元したいと考えています。 Lucas: 僕の考え方は少し違います。すでに教育の仕事が好きなので、Moondahliaで生活費を稼ぐ必要はありません。その分プレッシャーもなく、「これが失敗したら自分も終わりだ」と思わずに、純粋にバンドを楽しめるんです。 でも、それでももっと成長させたいという気持ちはあります。日本の外の人たちにも僕たちの音楽を届けたい。カザフスタンで聴いてもらえたことで、それが現実に可能だと分かりました。いまの時代、フォロワーを増やすために常にツアーをする必要はありません。映像やSNS、ライブパフォーマンスを撮った作品を使えばいいんです。だから僕が思い描く未来は、マルチカメラで撮影した臨場感あるショーや、美しい映像作品を作り、それをオンラインで世界中の人が観て、実際にMoondahliaを体験してもらえるようにすることです。

音楽を始めたい人や、過去の自分に伝えたいことはありますか？

Lucas: まず言いたいのは、「有名になりたい」とか「お金を稼ぎたい」といった期待を持って始めない方がいいということです。僕がベースを弾き始めたのは高校生のときで、当時気になっていた女の子に「ベースやってみたら？」と言われて買ったのがきっかけでした。本当に何の期待もなかった。でも、その選択が結果的に19年間の自信や規律、そして自分の存在意義につながったんです。音楽は、自分が誰なのか、何ができるのかを学ぶ方法になりました。だから始めるなら、まずは「好きだからやる」ことが大事です。絵を描くでも、映像を作るでも、音楽をするでも、たとえ誰にも気づかれなくても、自分が楽しめるならそれがすでに成功なんです。 Nayokenza: 同感です。でもひとつ付け加えるなら、「エゴは抑えろ」ということですね。僕はヒップホップ出身で、そこでは虚勢やプライドがすべてでした。でもバンドではエゴが創造性を殺してしまいます。最高のコラボレーションは、メンバー全員が「自分はちゃんと見られている」「自分の意見が聞かれている」と感じられる環境から生まれるんです。そういう安全な空間をつくらなければ、プロジェクトはうまくいきません。 それから正直に言うと、いわゆる「セックス、ドラッグ、ロックンロール」みたいな古いクリシェはキャリアにはつながりません。むしろチャンスを閉ざしてしまうんです。長く音楽を続けたいなら、常に頭をクリアにして、チャンスが来たときにすぐ掴める準備ができていること。それが大切だと思います。 Lucas: そして、毎日無理やり自分を追い込む必要はありません。社会は「9時から6時まで生産的でいろ」と求めてくるけれど、創造はそんなふうには動かないんです。ときには一歩引いて休むことも必要。純粋な根性や規律だけで突き進むと、かえってそのプロセス自体が嫌いになってしまう。大事なのはバランスで、規律と同じくらい喜びも必要なんです。 Nayokenza: そうですね。僕の場合は「細かく分ける」ことで勢いを保っています。「EPを作らなきゃ」と考えると途方もなく大きく感じてしまいますが、「今日はビートを作ってシンセを重ねる」と考えれば現実的に取り組める。そこにLucasがベースを加えて、少しずつ一曲になっていく。そうやって分割して進めることで、燃え尽きることなく続けられるんです。 Lucas: 実際的な面で言えば、ビジネスを理解することも欠かせません。多くの人は「ストリーミングでお金が入る」と思っているけれど、実際はそうじゃない。収益になるのは物販やチケット販売、そしてコミュニティからのサポートなんです。だからこそ、できる限り地元のシーンを支えることが大事。そうしなければアーティストは生き残れません。僕たちは本業があるからまだ恵まれているけれど、多くのアーティストはそうではない。だからこそ「自分のシーンを支える」ことが必要なんです。 Nayokenza: 「マーケティング」という言葉にプレッシャーを感じる人もいると思いますが、僕はそれを“ストーリーテリング”だと考えています。人は曲そのものだけを聴くんじゃなくて、その背景にあるストーリーや世界観に惹かれるんです。ファンが「Moondahliaを聴いてるんだ」って誇らしく言えるようになったら、それが長く続くつながりを生むんです。 それから、「イタいと思われたくない」と挑戦を避ける人が本当に多い。でも、僕にとって“イタさ”は自由なんです。少し不格好でも挑戦してみる方が、何もしなかった後悔を抱えるよりずっといい。誰かを傷つけるわけでもなく、本当に自分から湧き上がるものを形にしているなら、迷わず挑戦すべきです。 時にはLucasが言ってくれた言葉を自分に言い聞かせます。“F* it, we ball!”（細かいことは気にせず、とにかくやろう！）** 居心地の悪さを突き抜けた先にしか、素晴らしいものは生まれないんだと思います。